martes, 30 de octubre de 2012

El Cuervo y Otros Poemas Góticos / Vampirismo E.T.A. Hoffmann



Halloween (contracción  de all hallows'eve, "vispera de Todos los Santos"), también conocida como Noche de Brujas o Noches de Difuntos, es una fiesta de origen celta que se celebra principalmente en los Estados Unidos, Canadá, Irlanda y Reino Unido.

Halloween tiene origen en la festividad celta de Samhain y la festividad cristiana del Día de Todos los Santos, es una celebración con trasfondo religioso. los inmigrantes irlandeses trasmitieron versiones de la tradición a América del Norte durante la hambruna irlandesa de 1840.

Los antiguos celtas creían que la línea que une a este mundo con el otro se estrechaba con la llegada del Samhain permitiendo a los espíritus (tanto venévolas como malévolas) pasar a través de ella.




Ernst theodor Amadeus Hoffmann (1776 - 1822) destacó como escritor, pintor, dibujante y músico. Estudió Derecho en la Universidad de Königsberg y trabajó como funcionario en varias ciudades, hasta que Napoleón invadió la Polonia prusiana y lo dejó sin empleo.
En 1814 logró reincorporarse a la función pública en Berlín, donde ejerció como juez hasta su muerte. Su literatura, en la que la realidad convive frecuentemente con lo sobrenatural, influyó poderosamente en Edgar Allan Poe y Théophile Gautier. Su maestría para tratar el horror con exquisita elegancia lo convirtieron en uno de los principales maestros del romanticismo, y muchas de sus obras inspiraron piezas musicales de compositores como Beethoven, Offenbach, Shumann, Wagner, Bellini o Tchaikovky, que transformó en ballet el cuento de Hoffmann El cascanueces o el rey de los ratones.
 


"Se encontraba en su mesa de trabajo cierta mañana a punto de diseñar el plano de un nuevo edificio, cuando se hizo anunciar una vieja baronesa, pariente lejana de su padre. nada más oír el nombre de la baronesa Hyppolit recordó que su padre hablaba de ella con la indignación más profunda, incluso con horror, y que hasta había advertido a cuantos pretendían acercarse a ella que no lo hiciesen bajo ningún concepto, sin especificar nunca la causa del peligro...(Pág. 37. Vampirismo)




Autor: E.T.A. Hoffmann
Título: Vampirismo




Traducción y notas: Álvaro de Cuenca
Prólogo: Luis Alberto de Cuenca





 Editorial: reino de Cordelia
Nº de Páginas: 69  



Viejas mujeres semidesnudas se disputaban
el cadáver de un hombre que yacía en medio
del grupo y al que despedazaban y devoraban
con la voracidad de lobas.


Publicado originalmente en el último tomo de Los hermanos de San Serapión (1819 - 1821), Vampirismo es una de las obras maestras de Hoffmann y el primer gran relato en el que el vampiro es una mujer. La historia de amor entre el conde Hyppolit y la melancólica Aurelie, siempre agobiada por la perturbadora influencia de su madre, se vuelve cada vez más misteriosa hasta culminar en un infernal y terrorífico desenlace.

domingo, 28 de octubre de 2012

" El Mito de Don Juan"J. Zorrilla. T. de Molina



José Zorrilla y Moral, escritor del romanticismo.
 Nació en Valladoid el 21 de febrero de 1817 y falleció en Madrid el 23 de enero de 1893.




Casa Museo del escritor José Zorrilla




 José Zorrilla nació en Valladolid, que le recuerda con una estatua, una plaza, un espléndido paseo, una casa museo y hasta un campo de fútbol. Fue un 21 de febrero de 1817, pero la mayor parte de su infancia la pasó repartida en dos pueblos mesetarios de donde procedían ambas ramas familiares.

 Cuando tenía diez años su familia se trasladó a Madrid. Su padre, hombre severo y de carácter duro, era un absolutista furibundo, un servilón de tomo y lomo a quien Fernando VII tuvo a bien nombrar para un cargo de extrema confianza. Y nada mejor para la educación del vástago, pensaría su padre, que enviarle al Seminario de Nobles que regentaban entonces los Jesuitas.

 A la muerte de Fernando VII (1833), el padre fue desterrado a Lerma mientras el joven Zorrilla empezó a estudiar derecho en la imperial Toledo, ciudad que le subyugó. Aprendió allí de todo, menos leyes; aprendió sobre todo a soñar, perderse en las viejas callejuelas de la judería, a recorrer los cigarrales de los contornos, a contemplar los viejos conventos y las bellas sinagogas; sumergido en la historia allí imaginaría o escucharía acaso las leyendas de "El puñal del godo"o "El Cristo de la Vega"...

 No duro mucho esa adolescencia soñadora. Descontento su padre de los pobres resultados académicos se lo llevó a Valladolid e incluso le encerró en el pueblo, amenazándole con dedicarle al campo si seguía en esa aversión a las leyes.

 En una de sus estancias rurales se apoderó un día de una yegua que pacía en un prado y cabalgando a pelo se fue a Valladolid, donde la vendió y con los pocos reales que le dieron tomó el camino de la corte, tan escaso de dinero como sobrado de ilusiones.

 Conoce entonces en Madrid la sórdida miseria de los figones y las casas de pupilaje, los bodegones malolientes donde los poetas arruinados leen versos de nácar y marfil, ante un vaso de vino tinto, sobre una mesa de pino ennegrecido. Con otros amigos funda un periódico, subversivo por su puesto, donde pierde los últimos reales y del que tiene que escapar saltando por una ventana cuando se presenta de improviso la policía.

 Aún no ha cumplido veinte años cuando la bohemia de Madrid se estremece de emoción al saber la noticia: Larra, el conocido y elegante poeta, espejo en el que se miran todos aquellos aprendices de literato, se ha suicidado; su cuerpo será expuesto en la iglesia de Santiago. Van a llevar su cuerpo al cementerio del Norte, a los altos de Fuencarral...Sáinz de Robles nos cuenta así este suceso:

 "Un relente agudo que llega al tuétano y agallina la carne. Entre dos mausoleos con dedicatorias lacrimosas, una sepultura abierta. Al borde de la sepultura un abierto ataúd. En el ataúd un hombre joven, cuya melena y barba aún estremece el aire sutil. Es Larra. Dos días antes se ha matado de un pistoletazo en el corazón. Alrededor del muerto, en círculo, medio centenar de caballeros enlutados que llevan y sostienen en sus diestras enguantadas bimbas descomunales.Caballeros con moscas y melenas románticas,pálidos, enjutos, suspirantes, que al contraluz parecen como sombras de sí mismos. Por turno solemne han hablado varios de estos caballeros de cara color de acelga. Palabras todas angustiosas y panegíricas. El capellán ha rezado el último responso y camina, seguido de un acólito, por la calle delgada de cipreses. El esquiloncillo de la capilla esta lloriqueando a convulsiones, más cascado que nunca. Los sepultureros se disponen a cerrar el ataúd...

 De pronto emerge del coro un joven desmedrado. Se ha pasado la noche en vela escribiendo unos versos. Ha pedido prestadas las botas de un amigo para poder acudir a la ceremonia. Es José Zorrilla que se dispone a leer unos famosos versos que le van a hacer saltar a la fama...En el cementerio de Fuencarral había entrado un poeta muerto y salía de allí un poeta vivo. Pero la fama no quería decir escapar de la miseria, ya lo había dicho el propio Larra: " en España escribir es llorar..."

 Iniciada brillantemente su carrera de autor con un estreno en colaboración  con García Gutiérrez, comete uno de sus muchos disparates, se casa con una mujer mucho mayor que él. Fracasa su matrimonio y huyendo de ella, a decir de sus amigos, escapa a París, donde conoce a Musset, a Jorge Sand, a Victor Hugo, a Gauthier...Después a México protegido por el emperador Maximiliano y en 1866 regresa a España ya viudo, para volver a reincidir casándose con Juana Pacheco, en una situación económica tan precaria que ese mismo año las Cortes tienen que votar una pensión especial que le saque de la miseria.

 No obstante esta en su momento de mayor triunfo. Nombrado académico, la ciudad de Granada le dedica un homenaje, por sus hermosas horientales, regalándole una corona fabricada con oro del Darro. Y es de entonces su famosa anécdota: " aposentado en la bella ciudad, agasajado e instalado como un príncipe árabe, demoraba su estancia sin que nadie supiese por cuánto tiempo, hasta que alguien, con evidente sentido del humor le dijo un rotundo: ¡Vete,vete!"

 Murió en Madrid un 23 de enero. Una inmensa multitud acompañó su cuerpo al cementerio y desgraciadamente no hubo entonces otro poeta joven que leyese unos versos. Con Zorrilla moría, seguramente el último gran Dramaturgo del romanticismo español.
 



 Zorrilla sitúa a su Don Juan en Sevilla, pero en los últimos años del emperador Carlos V, a mediados del XVI, y divide su obra en dos partes. En la primera, se suceden cuatro actos en una sola noche. el primer acto,"Libertinaje y escándalo", uno de los mas densos de la obra, narra el encuentro entre Don Juan y Don Luis Megía para confirmar la apuesta que un año antes se hicieron en la hostería de Buttarelli.
Presentes quieren estar Don Diego Tenorio, padre de Don Juan, y Don Gonzalo de Ulloa, el Comendador. El encuentro se produce, y el famoso catálogo de las hazañas amorosas se duplica aquí, al ser dos caballeros de los que compiten ante la mirada atónita de dos aventuraros, el capitán Centellas y Avellaneda.
 La recriminación y la indignación del padre de Don Juan sucede a la de Don Gonzalo, que ha visto a su hija novicia, y antigua prometida de Don Juan, sobre el tablero de la apuesta como el colmo de la osadía que Don Juan quiere consumar. Con ella va en la apuesta también Doña Ana de Pantoja, la prometida de Don Luis Mejía.

 El acto segundo "Destreza", sucede en los alrededores de la casa de Doña Ana de Pantoja, donde Don Luis ha acudido temeroso de que el asalto de Don Juan se produzca. Allí se encuentran a pesar de que ambos han recomendado a la Justicia que prenda al contrario y lo encierre en prisión para tener despejado el campo. Los dos, claro está, se han valido de sobornos para quedar libres, y es ahora Don Juan junto con los suyos el que consigue inmovilizar a Don Luis para conseguir la apuesta. Con el soborno y las respectivas criadas de Doña Inés y Doña Ana, Brígida y Lucia se prepara el acto tercero.

 "Profanación" es el acto destinado al secuestro de doña Inés preparado por el mensaje que Brígida le trae dentro del libro de las horas. La llegada y posterior salida precipitada del Comendador ante el asombro de la abadesa cierra el acto. Acaba la primera parte con "El diablo a las puertas del cielo". Aquí es donde se produce la célebre escena del sofá entre Don Juan y Doña Inés en la quinta que este posee a orillas del Guadalquivir.
 Ésta es una de las escenas que más maltrata el autor en sus reconocidos Recuerdos de un tiempo viejos, por considerarla fuera del ritmo de la obra. Lo cierto es que la escena se produce una vez despierta del desmayo Doña Inés, y es interumpida por la llegada de Don Luis, aunque ya a Zorrilla le ha dado tiempo de mostrar a un Don Juan enamorado y respetuoso escasos momentos después de lo que se supone que ha sucedido, la seducción de Doña Ana.
 El duelo con Don Luis se pospone ante la llegada del Comendador. Don Juan intenta a éste su amor por Doña Inés, pero es interrumpido por Don Luis, que con una carcajada burlona deshace la escena. El doble asesinato y la posterior huida de Don Juan por el río cierran esta primera parte, en la que todos gritan. "Justicia por Doña Inés". La inverosímil paradoja en boca de ésta, "Pero no contra Don Juan", prepara en la segunda parte el papel definitivo que Zorrilla va a darle a la novicia.

 En esta segunda parte, comienza el acto primero, "La sombra de Doña Inés", con la escena del escultor autor del panteón de los Tenorio, que explica su grandeza, y con el dialogo de Don Juan con la sombra de Doña Inés. Centellas y Avellaneda van a ser ahora testigos de su invitación a la cena. No hay epitafio, no hay burla, sólo hay osadía, ante los muertos. tampoco el hilo de la venganza existe ya, pues la hija vengadora ha desaparecido.

 "La estatua de Don Gonzalo" representa la primera cena con el Comendador en casa de Don Juan y el presagio de la sombra de Doña Inés, que le pide su arrepentimiento. "Misericordia de dios y apoteosis de amor" es el último acto. Zorrilla dispone un ritmo lento para estas escenas, que  contemplan la segunda cena con el Comendador y las vacilaciones y las dudas de un Don Juan temeroso ante la muerte.
 Para favorecer su arrepentimiento, le es permitido ver desfilar su propio entierro, escena extraña a los clásicos Don Juanes y procedente de la contaminación con la leyenda de Miguel de Mañara.
 Todo este acto está situado en el terreno de lo fantástico. Zorrilla juega con una larga agonía de Don Juan, a quien supone muerto por el capitán en el acto anterior, pero no completamente, puesto que conserva la consciencia para arrepentirse cuando al fin se ha decidio a hacerlo. Zorrilla introduce la consabida frase del comendador "Ya es tarde" para permitir a Doña Inés que interceda por su salvación.
 Pero el Paraíso debió de parecerle a Zorrilla demasiado premio para un Dios clemente. Así, las llamas que salen de las bocas de ambos nos hacen pensar en un purgatorio final aunque amoroso.


Soria


El mismo año que Zorrilla estrena su Tenorio (1844), sale a la luz el poema dramático Don Juan del alemán Nicolás Lenau. Publicado inconcluso, debido a la locura del autor, que muere unos años después, este poema reúne una serie de elementos que van a continuar el prototipo romántico del mito.

Anuncia ya un desenlace de lo que será una de las variantes que el postromanticismo aportará a su desarrollo: el suicidio de Don Juan. El héroe se nos va mostrando como el eterno insatisfecho en busca de la mujer ideal que no encuentra.

Las versiones de Alonso de Córdoba y Antonio Zamora: antes de llegar a Zorrilla, el tema de Don Juan va a conocer dos versiones más en España. La primera de ellas, "La venganza del sepulcro", de Alonso de Córdoba y Maldonado, se supone compuesta a finales del siglo XVII.
De su autor se conocen hoy muy pocos datos; tan sólo que fue veedor y contador del Rey en 1662, por cierto opúsculo que se le atribuye, publicado en esta fecha por el Concejo de Segovia.
La segunda versión, "No hay plazo que no se cumpla y deuda que no se pague y convidado de piedra", de Antonio Zamora, es obra mucho mas conocida y de mayor influencia que la anterior. Publicada en 1722, su autor gentilhombre de cámara del último de los Austrias Carlos II, tomo partido por la causa borbónica.
 



Un año mas Don Juan Tenorio retorna a su cita, ya tradicional, con este escenario del Teatro Español dispuesto, como siempre, a deleitar a los vecinos y visitantes de esta Villa y Corte con sus aventuras y galanteos.
Don Juan Tenorio, la inmortal obra de José Zorrilla, sigue siendo, mas de siglo y medio después de su creación, la obra mas representada y aplaudida de nuestro teatro.
 Durante muchos, demasiados años, Don Juan Tenorio desapareció de la cartelera teatral madrileña, de la que también durante muchos años había sido un fijo habitual en sus fechas tradicionales del mes de noviembre, representándose no en uno, sino en varios teatros a un tiempo.

Noviembre siempre fue en Madrid el mes de Don Juan Tenorio y, aún en los años en que no acudió a su cita con los escenarios, Don Juan siempre permaneció en el corazón y en la memoria de los madrileños.
 En el otoño de Madrid nunca deben faltar los versos sonoros y musicales que Zorrilla puso en la boca y en el alma de sus personajes, para deleite y disfrute de todos los que llevamos, en el corazón y en la memoria, los versos de Zorrilla y para que las nuevas generaciones de madrileños descubran al inmortal personaje de apellido tan notorio. Álvarez del Manzano y López del Hierro


La actriz María Guerrero
Raimundo Madrazo 1891





Salvador Dalí boceto de escenografía para
Don Juan Tenorio 1949





Museo Nacional del Teatro



Don Juan Tenorio y el Romanticismo
Museo Nacional del Teatro




Hace unos 138 años se estrenó en Madrid un drama romántico que no tuvo ningún éxito. la crítica le trató muy mal y sólo alcanzó tres representaciones. Ese drama era: "Don Juan Tenorio" de Zorrilla.
Después de haberse mantenido durante más de un siglo vivo en los escenarios de España y de Hispanoamérica y tras deleitado a muchas generaciones de espectadores, no es un azar, no es una persistencia en el error.
Yo me atrevería a decir un poco pedantemente, que no es ni una contumacia ni una contumelia en el error el hecho de que el Tenorio de Zorrilla, desbancando a sus antecesores, por ejemplo, el Tenorio de Tirso o el de Zamora, haya gozado de tanto favor del público.
A pesar de sus defectos de construcción, de sus ripios o de sus disparates cronológicos de los que tanto se burló el propio Zorrilla en sus "Memorias del tiempo viejo", este Don Juan fue y es, curiosa paradoja, una obra romántica que se hizo clásica, ¿por qué? pues por muy profundas curiosas y sutiles razones, por su acción trepidante y avasallante, porque pasan en la obra muchas cosas que es lo que al público español le agrada, porque el protagonista es gallardo, calavera, fátuo, fanfarrón sí, pero valiente y no le teme a nadie, ni a los vivos ni a los muertos, porque cruza por la obra el escalofrío de lo sobrenatural con sus aparecidos y sus fantasmas muy propios de las noches de ánimas y de difuntos en que se solía representar. Porque Don Juan, que se burlaba de todas las mujeres, al fin se enamora de verdad de ese tierno inocente y dulce personaje femenino que encarna Doña Inés, porque si no se redime el protagonista a mitad de la obra, no es por su culpa, sino a causa del orgullo y de la falta de generosidad del Comendador, que encarna, ante los ojos de los espectadores, la soberbia, la injusticia y la intransigencia y que al final quiere llevarse a Don Juan a los infiernos usando el engaño.

Porque el protagonista se salva, final feliz, ya saben ustedes que todos los finales felices gustan al público y también y sobre todo, por la música de unos versos que suenan en nuestro oídos como un trémolo ibérico, unas veces con alegría de cascabeles y otras con vibración profunda de guitarra. Alfredo Marquerie





Tirso de Molina( fray Gabriel Téllez ), nació en Madrid un 24 de marzo de 1579 y falleció en Almazán (Soria) un 12 de marzo de 1648. Fue un dramaturgo, poeta y narrador del Barroco, destacando como autor teatral.


El Burlador de Sevilla


En todas partes se lee el mito de Don Juan nace en el Burlador de Sevilla (hacia 1620) de tirso de Molina. El mito no pertenece al texto, sino al contexto; no se halla en los libros ni en los libretos, sino en la conciencia común y en el espejo de las palabras cotidianas.
Antes de Tirso, la mas significativa aparición de este prototipo de la literatura europea se produce también en España, concretamente en el Libro del buen Amor, de la primera mitad del siglo XIV.
El precursor se llama ya Juan, Juan Ruiz, Arcipreste de Hita, y es él mismo quien nos cuenta en detalle la larga historia de sus aventuras con mujeres de la mas variada condición: nobles, burguesas, plebeyas (desde una panadera procaz a unas serranas tan toscas como lujuriosas), sin olvidar a una mora y una monja.
Pero si los designios de Juan Ruiz son iguales a los de Don Juan, su destino es diametralmente opuesto al del personaje de Tirso ( aunque no tanto al de Moliére y Daponte) y, con escasas excepciones, sus lances eróticos están condenados al fracaso: ejemplo vivo de que solo cabe poner la esperanza en el "buen amor" de Dios.
La salvación de Don Juan, en tanto la trama lo despachaba a los infiernos, la extraordinaria teatralidad de El burlador de Sevilla alzó a Don Juan a la gloria.
El Don Juan con talla mítica, nacido entero de la cabeza de Tirso, es el héroe de la literatura. O, mejor, la respuesta al desafío escénico de conjugar el esbozo de un carácter y una pauta de motivos para el desarrollo.
Particular importancia tiene uno de los recursos que Tirso presta al personaje. En el español clásico, burla es "engaño, trampa" y así mismo "broma, farsa, ficción jocosa". Don Juan, que se enorgullece del "gentil nombre" de "burlador", recorre y practica todo el ámbito de la burla, pero muestra particular aplicación a su sentido mas lúdico y teatral.
Precisamente por atender a ese sentido, no sólo seducir a una dama es para él hacerla caer en la ilusión cómica, sino que le importa constatar que tiene un público: por eso se congratula de que Sevilla entera lo llame "el Burlador" por excelencia.
Pero si ademas de fingir con las mujeres y conseguir engañarlas, resulta que Don Juan se desvive por lograr el aplauso de su inmenso público de devotos, es que vive permanentemente en escena, a conciencia de representar un papel  de que tanto como la satisfacción propia le preocupa el juicio de los espectadores. ¡ naturalmente que ha sido el teatro quien lo ha inmortalizado! Como que la profesión de Don Juan es la de actor...

Don Juan en Europa: del barroco al romanticismo.

Don Juan en el festín de Pierre (1665) de Moliére.
El Don Juan de Mozart hunde sus raíces  en distintos géneros y épocas hasta dar con el personaje que Mozart exigía a su libretista Da Ponte.
El ruso Pushkin, en el Convidado de Piedra (1830) recoge la herencia hoffmaniana. Don Juan cansado retorna, retorna al lugar de sus hazañas donde a dejado a Doña Ana viuda, pues esta vez el Comendador es su marido. Y se siente atraído por la belleza triste de una Doña Ana envuelta en el misterio del dolor.
El Don Juan romántico se ha situado frente a la mujer, no frente a Dios. Entre las obras que se nos presentan intermediando por la salvación de Don Juan se encuentra Sor Marta, la creación de Alexandre Dumas. En el Don Juan de Marana o La caída de un ángel (1836) ya se ha producido el hibrído con la leyenda de Don Miguel de Mañara que Meriée ha introducido. Pero todavía el Romanticismo no ha salvado a Don Juan.


Argumento

La acción comienza en Nápoles, en los aposentos reales donde la duquesa Isabela ha sido seducida por Don Juan, aprovechando la oscuridad de la noche, que lo presenta como su prometido, el Duque Octavio.
Don Juan, hijo del camarero del Rey de Castilla, ha llegado a Nápoles huyendo de España, donde ha dejado seducida a otra dama. En la primera jornada el autor sitúa la acción en la corte de Nápoles, las playas de Tarragona y la corte de España en Sevilla. Así, tras el episodio de Isabela, y gracias a la complicidad de su tío Don Pedro Tenorio - el embajador de España en Nápoles, a quien el Rey ha pedido la intervención en el asunto de Don Juan -, consigue huir.
Poco después, victima de un naufragio, aparece en las costas de Tarragona con Catalinón, su criado. Allí es auxiliado por la pescadora Tisbea, orgullosa de no haber sucumbido nunca al amor. Por su parte el Duque Octavio, culpado por todos y sabiéndose engañado, huye igualmente a España.
La seducción de Tisbea tiene también lugar en la primera jornada con el intervalo de una escena en la Corte de España en la que Don Gonzalo de Ulloa informa al Rey Don Alfonso de Castilla de su estancia en Lisboa. El Rey, ignorante de la suerte de Don Juan, va a concertar las bodas de éste con Doña Ana de Ulloa, hija de Don Gonzalo.

En la segunda jornada Don Alonso, el Rey, informado de los sucesos de Don Juan por Don Diego Tenorio, su padre, decide desterrarlo a Lebrija y nombrar mayordomo mayor a Don Gonzalo para resarcirle por el incumplimiento de la promesa. Doña Ana pasa a ser concedida al Duque Octavio.
Don Juan, entre tanto, prepara la seducción de Doña Ana tras descubrir una cita que ésta ha concertado con su primo el Marqués de Mota. Con éste mantiene uno de los diálogos mas ingeniosos de la obra a propósito de cómo engañar a las prostitutas. Disfrazado con la capa del Marqués de la Mota, se introduce en las habitaciones de Doña Ana y al ser descubierto por Don Gonzalo lo mata después de un enfrentamiento.
Acusado el Marqués, es detenido, mientras Don Juan se dirije a Labrija. Al pasar por el pueblo de Dos Hemanas, presencia las bodas de Arminta y Batricio, campesinos del lugar, y prepara la seducción de Arminta, que tendrá lugar en la jornada tercera.

Con los celos de Batricio comienza ésta última. Cómplice Gaseno, padre de Arminta, Don Juan se hace dueño de la voluntad de ésta, tras la promesa de ser su esposo. Pero ya se están preparando las reclamaciones de venganza.
Y mientras Isabela se encuentra con Tisbea camino de satisfacer la suya, se va a producir el encuentro entre Don Juan con la estatua de Don Gonzalo, su víctima, a quien escarnece e invita a cenar. Tras esta primera cena con el convidado de piedra, que va anticipando el desenlace final, la acción se traslada a la Corte.
Allí el Rey y su camarero mayor Don Diego Tenorio intentan restaurar  el honor de Isabela casándola con Don Juan y restablecer el compromiso entre Doña Ana de Ulloa y el Marqués de Mota, perdonado éste.

Antes de que se celebren sus bodas con Isabela, Don Juan ha dado palabra de devolverle la cena a Don Gonzalo, con la oposición de Catalinón. Y el convite que va a costarle la vida a Don Juan se produce mientras todos los ofendidos están reclamando del Rey venganza.
El castigo divino le ahorra al casamiento rey el enfrentamiento con su privado y recompone el orden deshecho por Don Juan. Isabela, viuda, se casa con el Duque Octavio; Doña Ana, con su primo, el Marqués de Mora.
Y el "nosotros con las nuestras" que pronuncia Batricio al final de la obra hace suponer que las viudas del pueblo también pueden reparar su honor con sus respectivos ofendidos.

Origenes de una leyenda

Desde que Farinelli, en 1896, provocó a los estudiosos de Don Juan situando los origenes de la leyenda en una especie de moralidad representada en 1615 por los jesuitas de Ingolstadt - la historia del Conde Leoncio -, los comienzos del siglo XX han presenciado el resurgir de una de las muchas polémicas que acompañan siempre a estos estudios.
A pesar de una tradición ampliamente aceptada, que defendía su españolismo, y sin mucha convicción por carecer de datos objetivos, Farinelli pretendía, al igual que los estudios filosóficos habían hecho con Fausto,profundizar en los limites de un personaje teatral cuya historia personal se presentaba como símbolo nacional: la historia de Don Juan no era otra cosa que la historia de España.
Rastreando los orígenes de los complejos componentes de la leyenda del Convidado de Piedra, se retrotrae hasta la antigua creencia en las cabezas fatídicas que vaticinaban el porvenir, presentes ya en Virgilio y San Alberto Magno entre otros, y cuya tradición había recogido también Cervantes en El Quijote.




sábado, 27 de octubre de 2012

Krabat y el Molino del Diablo. Otfried Preussler (1923 - 2013)

                          


No es fácil, siendo un chico de catorce años, huérfano y sin recursos, buscarse la vida mendigando de pueblo en pueblo, sobre todo si se vive en plena Edad Media, como Krabat.

Como los designios del destino son inexplicables, cuando una extraña voz se le presenta en sueños instándolo para que acuda a cierto lugar, Krabat decide obedecer, ya que no tiene mucho que perder.




El lugar resulta ser un viejo molino y quien lo invoca en sueños, un molinero tuerto y despótico que lo adopta como aprendiz, al igual que a otros once muchachos que siguen sus directrices. Allí se trabaja duro, pero también se come decentemente y se tiene un techo para pasar las largas noches de invierno.





Pero el maestro resulta ser algo mas que un simple molinero; está dotado de enormes poderes e inicia a Krabat en el arte de la magia negra. Todos los seres demoníacos exigen un alto precio por lo que ofrecen: el alma, la libertad e incluso la vida...
 
¿Como luchar contra lo sobrenatural? ¿Con que arma defenderse de alguien que controla tu pensamiento, tu voluntad e incluso tus sueños? Atrapado en esta infernal pesadilla, Krabat, convertido ya en un joven mago, no se resigna a acabar como sus compañeros, se resiste con todas sus fuerzas e intenta denonadamente burlar el maléfico control mental del diabólico maestro.
 
 Existe un libro sagrado, prohibido para los aprendices, que incluye una cláusula, una ínfima oportunidad de salvarse, aunque, hasta el momento, nadie, nunca, ha conseguido beneficiarse de ella.
 
Una historia extraordinaria, donde la fantasía y lo mágico, con sus misterios y el mas vivo realismo hacen que el joven mago Krabat se instale en nuestro corazón.

Otfried Preussler, el escritor de cuya imaginación nació este libro, nos hace reflexionar aquí, como en todas sus obras, en los verdaderos valores que rigen nuestra vida. Ha recibido numerosos premios entre los que se encuentra el Premio Alemán al Libro Juvenil.

Era la época comprendida entre Año Nuevo y el Día de Reyes. Krabat, un muchacho que tenía por entonces catorce años, se había unido a otros jóvenes pordioseros lusacianos, y aunque su Serenísima Excelencia, el Príncipe  Elector de Sajonia...


Otfried Preussier


Autor: Otfried Preussler

Título de la edición original: Krabat

Traducción de José Miguel Rodríguez Clemente

Ilustraciones de Herbert Holzing

Editado por Circulo de Lectores S.A.

Nº de Páginas 315
 

 



viernes, 26 de octubre de 2012

El Rey León


MUSICAL "EL REY LEÓN"  
  TEATRO LOPE DE VEGA    

  GRAN  VÍA   
MADRID


¡¡¡ YO QUIERO SER REY LEÓN ¡¡¡




Teatro Lope de Vega



La pasión por el teatro y el arte se encuentran. El fundador de Stage Entertainment, Joop Van den Ende y su esposa Janine siempre han creído que el arte debe ser un elemento integrado en cada uno de los teatros de la empresa.
Juntos han reunido, en las últimas tres décadas, una extensa e interesante colección de pinturas y obras de arte, la mayoría de ellas de artistas internacionales modernos y contemporáneos.
Especialmente para el teatro Lope de Vega de Madrid, Janine Van den Ende ha reunido una selección de arte de gran calidad pictórica. Ha estudiado cual sería el estilo mas adecuado para un teatro clásico como este.

Y que piezas podrían ir mejor con la arquitectura del edificio, con los diferentes espacios públicos y las escaleras que llevan a las butacas.



Los espectadores pueden disfrutar del arte ademas de los musicales. como resultado, cada uno de los teatros ofrece exhibiciones de arte que son vistas diariamente por casi 2000 personas.

Son aficionados tanto al arte escénico como al visual, los espacios interiores, así como la atmósfera del recinto también son importantes.




Para crear el musical de El Rey León el desafío consistió en coger la famosa película, encontrar su esencia y transformarla en teatro.Una oportunidad para experimentar y asumir riesgos.
 
Un salto a la imaginación, que combina estilos teatrales y tradiciones de todo el mundo - de África, Asía, Europa y América - así se crea algo único. La universalidad de la narrativa completa la de la historia.
 
Durante los últimos 14 años el público de todo el mundo, conecta con la historia, no importa de que lugar se trate, la gente conecta emocionalmente con El Rey León.



Música y Letra
Elton John y Tim Rice

 Música y Letra Adicional
Lebo M, Mark Mancina, Jay Rifkin, Julie Taymor, Hans Zimmer

libreto
Roger Allers e Irene Mecchi

Adaptación de la Pelicula Original
Irene Mecchi y Jonathan Roberts y Linda Woolverton

Traducción
Jordi Galceran



Diseño de escenografía, Richard Hudson

Diseño de vestuario, Julie Taymor

Diseño de iluminación, Donald Holder

Diseño de máscaras y esculturas animadas:
Julie Taymor y Michael Curry

Diseño de peluquería y maquillaje:
Michael Ward

Director musical, James May

Orquestación, Robert Elhai y David Metzger

Coreografía, Garth fagan

Dirección, Julie Taymor





NÚMEROS  MUSICALES

ACTO 1

1 - La gran roca - El ciclo vital con nants' ingonyama
2 - La cueva de Scar
3 - El árbol de Rafiki
4 - La llanura
5 - La cueva de Scar
6 - La llanura - Yo voy a ser Rey León
7 - El cementerio de los elefantes - Comer
8 - Bajo las estrellas - Están aquí
9 - El cementerio de los elefantes - Conspirar
10 - El desfiladero
11 - La gran roca - Conspirar (reprise)
12 - El árbol de Rafiki - Lamento de Rafiki
13 - El desierto / La jungla - Hakuna Matata



Carlos Rivera (Simba) y Daniela Pobega (Nala)



La película El Rey León (The Lion King) se estrenó el 24 de junio de 1994, es la 32ª película animada producida por Disney.

 Y cuenta la tragedia de Hamlet de William Shakespeare. Protagonizada por un león africano, la trama es la misma.





Como ocurrió con Bambi, los animadores estudiaron animales reales como referencia, y viajaron a Kenya para observarlos en su hábitat natural, que se mostrará en la película en la que se basa este musical.
 
Fue la 1ª película Disney basada en una idea original, a diferencia de las anteriores que fueron adaptaciones de otros autores y se basaron en la obra teatral Hamlet de Shakespeare.



ACTO 2

PRÓLOGO - SOMOS MIL

1 - La cueva de Scar - La locura del Rey Scar
2 - La llanura - Nuestro hogar
3 - La jungla - Wim-a-Wep
4 - Bajo las estrellas - Noche sin fin
5 - El árbol de Rafiki
6 - La jungla - Siento un nuevo amor en mí / Él vive en tí
7 - Confrontación
8 - La gran roca - El nuevo Rey, el ciclo vital



También existen algunas similitudes entre la película El Rey León y el anime de 1960 KIMBA, el león blanco. Una de esas similitudes es el nombre de los protagonistas, Kimba y Simba.

Simba en suajili significa león

MBURE significa león en zulú

Phindile Mkhize (Rafiki) Daniela Pobega (Nala)

Memoria y Arquitectura. Louise Bourgeois (1911 - 2010)

 

 

 
Museo  Nacional  Centro  de  Arte  Reina  Sofía



Louise Bourgeois

Memoria y Arquitectura

Cuando el Museum of Modern Art de Nueva York presentó la retrospectiva de Louise Bourgeois en el año 1982, la artista ya tenía un largo recorrido a sus espaldas. Pero visto en perspectiva parece que a sus 71 años su carrera acababa de empezar de nuevo. Y no solo porque aquella muestra histórica -la primera que el MoMa dedica a una mujer artista- significó el inicio de un reconocimiento a escala internacional que no haría más que crecer, sino porque las obras que Louise Bourgeois iba a desarrollar hasta su muerte en 2010, a la edad de 98 años, demostraríana una energía y una capacidad creadora verdaderamente excepcionales.

Fue a lo largo de esta larga y fructifera etapa cuando Louise Bourgeois (París, 1911-Nueva York, 2010) realizó sus creaciones más ambiciosas e innovadoras. En 1986 empezó a elaborar sus primeras Celdas (Cells), unas obras insólitas, entre la escultura y la instalación, construidas como espacios cerrados o medio abiertos, en los que escenificaba sus recuerdos, sus miedos y sus angustias existenciales.

Louise Bourgeois, Italia 1967.

" La arquitectura tiene que ser un objeto de nuestra memoria.
Cuando evocamos, cuando conjuramos la memoria para
hacerla más clara, apilamos asociaciones de la misma
manera que apilamos ladrillos para construir un edificio.
La memoria es una forma de arquitectura."
                                                          Louise Bourgeois
                                                                                            



 Para alguien como Louise Bourgeois, que se ha descrito a sí misma como una runaway que se escapó de casa, la noción de hogar, en el sentido de lugar y también en el de identidad, debe tener un significado profundo y duradero.

 Bourgeois utiliza la arquitectura, escultural y metafóricamente, como un medio para analizar su problemática familia del pasado, en busca de reparación y reconciliación, y como un esfuerzo para crear su propia familia ideal en el presente.

 La arquitectura permite a Bourgeois reconstruir, revivir y controlar el pasado. Sus estructuras se convierten en parte activa de estrategias de autoconocimiento, protección, supervivencia y seducción.

 Esta relación con la arquitectura es clave en la visión de Bourgeois, desde la primera instalación de sus Personnages (personajes) de madera a finales de los años cuarenta hasta las Cells (Células) de las décadas de los ochenta y noventa.



Spider (Araña), 1997
Acero y técnica mixta.445X665X518 cm.
Col. de la artista.Cortesía Cheim & Read, Nueva York





 Louise Bourgeois ha creado a lo largo de casi seis decenios un "corpus" de trabajo misteriosamente poéticos que da forma a las turbulentas vibraciones de sus emociones, al mundo erótico y secreto de su inconsciente.





 Bourgeois usa la arquitectura para ordenar "el caos". Con acceso directo al inconsciente y mediante  el don de la sublimación. Bourgeois es capaz, en su arte, de dar forma tangible a sus miedos para exorcizarlos.
 




 Par encontrar su equilibrio necesita trazar el mapa de las relaciones humanas colocándolas en una cuadrícula, o creando un dispositivo para controlarlas, o albergándolas en una arquitectura. Bourgeois usa la geometría de modo utilitario. Simbólicamente no se pierde nada, hay un lugar para cada cosa, existe un orden claro, previsible y controlable en el que nada puede extraviarse.



 La arquitectura es el lado racionalista de Bourgeois, "la hija de Descartes".


Hoja suelta 1959.
Archivo de Louise Bourgeois
Nueva York.Fundación Easton


  En su libro de grabados de 1947, He Disappeared Into Complete Silence (Desapareció en completo silencio), Bourgeois yuxtapone imágenes arquitectónicas con textos sobre relaciones humanas. La arquitectura se convierte en una metáfora de la gente, de su incapacidad para comunicarse y conseguir intimidad.

 Este conjunto de imágenes esta relacionado con otra serie de pinturas titulada Femme Maison (Mujer Casa). Aquí Bourgeois combina la figura de una mujer con la arquitectura. El arte de Bourgeois es una constante oscilación entre la introyección del cuerpo hacía el mundo.




Datos biográficos
 
 Louise Bourgeois nació en París en 1911. En ese momento sus padres, Joséphine Fauriaux y Louise Bourgeois viven en parís y trabajan en la galería de venta y restauración de tapices de Aubusson y de los Gobelinos de su abuela materna.
 
 En 1910 su padre traslada la tienda del número 212 al 174 del boulevard Saint Germain. En 1912 la familia alquila una casa en Choisy-le-Roi donde instalará también un taller de reparación de tapices.
 
 Más tarde en algunas de sus obras, Cell VII (Célula VII) 1998, mostrará una réplica de esa gran casa con sus dos terrazas simétricas. En 1917 la familia va a vivir a Aubusson y más tarde, en 1919, se establece definitivamente en Antony, a orillas del Biévre, para instalar su taller de restauración de tapices antiguos.
 
 Allí es donde Louise empezará a dibujar para su madre las piernas y los pies que faltan de los personajes en la parte inferior de los tapices deteriorados: Legs (Piernas), 1986.
 
 Sin embargo su primera obra de arte, según ella, fue una muñeca de miga de pan..."Cuando estábamos todos juntos sentados en la mesa del comedor, cogí un trozo de miga de pan, le añadí saliva y modelé l a figura de mi padre. Cuando la terminé, empece a cortarle los brazos con un cuchillo.
 
 Considero que esta fue mi primera solución escultórica." en esa época su padre había contratado a una institutriz, Sadie, para que enseñara inglés a los niños, y fue su amante durante diez años.


 Para Louise la historia de Sadie es tan importante en su vida como la de su madre. Es la impulsora de gran parte de sus obras."Mi infancia ha perdido su magia, ni su misterio, ni su carácter dramático.
 
 En estos últimos cincuenta años toda mi obra, todos los temas que me han inspirado, proceden de mi infancia" Destruction of the Father (Destrucción del padre), 1974.