sábado, 9 de diciembre de 2017

La Guerra de los Mundos. H.G. Wells (1866 - 1946)




Sobre La guerra de los mundos

La guerra de los mudos fue la primera obra en la que los habitantes del planeta Marte invaden la Tierra. Por un lado, H.G.Wells delinea el contexto científico de finales del siglo XIX en el que se observaba la fascinación por el planeta rojo, y en el que la humanidad empieza a pensar seriamente en construir máquinas que le permitiesen volar.
Por el otro, construye un relato ficcional que, sin embargo, indaga los discursos decimonónicos que tanto le apasionaron y que tanto influyeron sobre las realidades sociales de la época y geografía: el darwinismo ("Nuestra propia especie ha destruido, no solo especies de animales, sino también razas humanas inferiores") y el imperialismo británico.

Al ser destronado por los marcianos, el ser humano reflexiona acerca de lo que implica esa superioridad que él mismo detenta con violencia sobre otros: "Seguro que, aunque no hayamos aprendido nada más, esta guerra nos ha enseñado la piedad, piedad hacia esas almas sin razón que nosotros dominamos". La ética entra en juego al cuestionar los exabruptos de dudosa justificación: "- ¿Porqué permiten tales cosas? ¿Quiénes son esos marcianos?", pregunta el vicario. "-¿Y quiénes somos nosotros?, le responde el narrador.
 



El 30 de octubre de 1938, como broma de Halloween, el actor, director y guionista estadounidense Orson Welles adaptó La guerra delos mundos a un guión de radio que, teatralizado en forma de noticiario, narra el arribo de naves marcianas a la ciudad de Nueva York.
Los oyentes que sintonizaron la emisión ya comenzada y que, poe ende, no habían escuchado la introducción aclaratoria, fueron presa de un estado de pánico que se extendió rápidamente por la ciudad.
"Muchas verdades se han dicho en broma", escribió H.G.Wells en su célebre libro. sociedades con poderosos ejércitos y altamente armadas (como la británica y la estadounidense) habían recibido, en forma de reflejo espejado el terror que suscita la propensión al abuso militar.(Pág. 7)
 



 "¿Pero quién vive en esos mundos si están habitados?...
¿Somos nosotros o ellos los señores del universo?...
y ¿por qué han de estar hechas todas las cosas para el hombre?"
                                                                                      Kepler
 

 
 Autor: H.G.Wells
Título original: The War of the Worlds
Traducción. Ramiro de Maeztu
Ilustraciones: H. Alvim Corrêa
Editorial: Libros del Zorro Rojo
Nº de páginas: 204
Edición 2016
 




jueves, 7 de diciembre de 2017

Mariano Fortuny (1838 - 1874)




Reus, 11 de junio de 1838: nace Mariano Fortuny. Sus padres, de clase media, mueren cuando Fortuny cuenta aún pocos años. Pero no quedará desamparado. Un personaje entre magico y cotidiano vendrá a ocupar el lugar de sus padres: su abuelo. Escultor popular de figuras e cera y barro, este hombre actuará como demiurgo de la entrada del pequeño Fortuny en el mundo de lo imposible, la creación.
 



Coloreando figuras de cera y barro, pequeñas formas salidas de las manos duras y tiernas de aquel abuelo sabio y octogenario, Fortuny va conociendo y aprendiendo a distinguir los colores, sus usos más primarios. 
 Y así, su abuelo dirige sus pasos hasta el taller de Domingo Soberano, un pintor sin talento, pero lo suficientemente profesional como para enseñar al joven el misterio escondido de un juego de pinceles...
 



Esta exposición, primera gran monográfica que dedica el Museo del Prado a Mariano Fortuny, tiene el objeto de mostrar, a través de 169 obras relevantes, 67 de ellas nunca expuestas fuera de sus colecciones y museos de procedencia, los variados aspectos de su dedicación artística en todos los cuales sobresalió.
 


Sus pinturas al óleo, fundamento de su fama tuvieron gran influencia en España, Italia y Francia. Fue el gran renovador en su tiempo de la acuarela, a la que aportó proximidad al natural, gran claridad de tonos y una ejecución de calidad extraordinaria.

Admirador de sus maestros y de su suegro, Federico de Madrazo, puristas románticos de los cuales aprendió el sentido de la perfección y el bien dibujar, supo encontrar en Goya el espíritu del artista, la creatividad y la consagración a la pintura. También admiró profundamente a Velázquez y a Ribera dentro de la escuela barroca española.
 

Playa africana

A lo largo de su corta existencia, trabajó arduamente, siendo recompensado por el éxito y la fama, su obra llegóa costar precios inusitados en el mercado internacional, llegando su esposa, Cecilia de Madrazo, a la muerte del pintor, a poseer una gran fortuna. Coleccionista de antigüedades (armas, muebles, tapices, loza hispano-musulmana), poseyó una villa en Roma, decorada con verdadero lujo, así como un estudio envidiado por todos los artistas europeos.
 
 Su muerte fue muy llorada y la ciudad de Roma le ofreció un majestuoso entierro. Desde entonces el cuerpo de Fortuny reposa en el cementerio romano de Campo Varano. Cecilia de Madrazo y sus hijos, Marie Louise y Mariano, vivieron, tras su muerte, con grandeza, conservando su memeoria, primero en París y luego en Venecia, en el Palacio Martigneno delle Palle. En la actualidad el Museo de Fortuny de Venecia, se ubica en el Palacio dell'Orfei, está destinado a esponer parte de su obra, sus colecciones y la obra de su hijo, el escenógrafo, diseñador y pintor Mariano Fortuny de Madrazo.
 

La vicaria, 1870

Como dibujante a pluma y lápiz la asiduidad de su práctica le llevó a conseguir una gran precisión. Su trabajo como acuaforista transformó el cultivo de esa técnica  y le permitió dar cauce a su vena más expresiva.
 
 Además, la exposición muestra por vez primera su dedicación al coleccionismo de antigúedades que, integradas en su atelier junto con sus propias obras, revelan la influencia que tuvieron en su práctica creadora: las incluyó en sus composiciones y su color, brillo y calidades le inspiraron en sus búsquedas como artista.
 

Jardín de la casa de Fortuny



La estancia  del pintor en Marruecos fue decisiva para la renovación de su arte. Allí descubrió la luz que su paleta no abandonaría ya nunca.
 
Mariano Fortuny retrato de Fedrico de Madrazo, 1867




miércoles, 6 de diciembre de 2017

El espíritu de la pintura. Cai Guo-Qiang


Hotel Urban

Real Casa de Correos

Calle Preciados


Carrera de San Jerónimo

Museo Nacional del Prado

El espíritu de la pintura. Cai Guo-Quiang en el Prado tiene su origen en el prolongado diálogo de este artista con el espíritu del Greco. En los dos últimos años, en contacto con los especialistas del Prado y estudiando su colección, Cai ha extendido su campo de referencias ha otros artistas como Tiziano, Velázquez, Rubens y Goya.
 



Cai Guo-Qiang


Muchas de las obras expuestas se han creado este mes de octubre en el Salón de los Reinos, para el que Velázquez pintó una de sus obras maestras, La rendición de Breda. Este proceso de creación in situ culminó el 23 de octubre, cuando, al caer la noche, prendió El espíritu de la pintura, un cuadro de pólvora de 18m de largo que es la pieza central de esta exposición.
 En los cuatro espacios expositivos de la Sala C se desarrolla una progresión rítmica que refleja una fórmula compositiva china: inicio, desarrollo, giro y unificación.
 



La primera sección, Introducción o Inicio Ascendente, ilustra el diálogo de Cai con el Greco. Junto a experimentos que exploran las corrientes de color, energía, luces y sombras de los cuadros del cretense, en Día y noche en Toledo recrea la imagen mental que obtuvo cuando volvió a Toledo a principios de 2017. Pintando el Apostolado del Greco evoca una sensación de ceremonia. Para cada apóstol, Cai colocó un lienzo en el suelo, lo espolvoreó con pólvora y puso otro lienzo en blanco encima, cara con cara. Al prender la pólvora, el lienzo de abajo resultaba más abstracto, "como si se hubiera extraído la espiritualidad del Greco y fijado su huella".
 





La segunda sección , Continuación o Desarrollo, hereda el espíritu de la sección anterior y a la vez revela la abstracción inherente a la pólvora como material pictórico. Ceremonia negra y Las nubes distantes expresan el dolor y la pena del artista por la reciente pérdida de personas queridas.









Cai Guo-Qiang nació en 1957 en la ciudad de Quanzhou, provincia de Fujian, China. Hijo de un historiador y pintor, Cai estudió escenografía en el Instituto de Drama de Shanghai. Cai, empezó a trabajar con pólvora para dar espontaneidad a su obra, como un modo de hacer frente a la represión fruto de la controlada tradición artística y el ambiente social en China durante la época.
 Durante el tiempo que vivió en Japón, desde 1986 hasta 1995, exploró las propiedades de la pólvora en sus dibujos. Esta búsqueda lo llevó eventualmente a experimentar con explosivos en una escala mucho mayor y a desarrollar sus característicos proyectos de explosión. Cai obtuvo reconocimiento internacional rápidamente durante su permanencia en Japón, y desde 1995, ha vivido en Nueva York. Su enfoque proviene de una variedad de símbolos, tradiciones y materiales tales como el Feng shui, la medicina china, los dragones, las montañas rusas, los cometas, los ordenadores, los animales vivos y las máquinas expendedoras.

lunes, 4 de diciembre de 2017

La Bella Durmiente. Ballet de Moscú


John Collier

"Un simple paisaje ruso, un paseo una tarde de verano por el campo, el bosque o la estepa, todo eso me emociona hasta tal punto que siento la necesidad irreprimible de abrazarme a la tierra, llevado por el inmenso amor por la naturaleza, sacudido por esa atmósfera embriagadora que me envuelve, que viene del bosque, de la estepa, del riachuelo, de la aldea lejana, de la humilde iglesia campestre, de todo eso que constituye el pobre dcorado de mi Rusia natal". (Piotr Ilich Chaikovski)


Maxfield Parrish




La bella durmiente

Seguramente es el menos conocido de los tres ballet de Chaikovski, pues ni posee la pasión desbordada de El lago de los cisnes ni la magia sonora y la ingenuidad de El cascanueces, aunque por ello mismo quizá sea la más compacta y lograda de estas partituras.

 Basado en el popular cuento La Belle au bois dormant del escritor francés Charles Perrault (1628 - 1703), fue compuesto entre 1888 y 1889, y estrenado en el Teatro Mariinski de San Petersburgo el 16 de enero de 1890, con coreografía de marius Petipa. La bella durmiente obtuvo una cálida acogida que no acabó de ser entusiasta, a pesar del convencimiento del propio compositor de que se trataba de uno de los mejores trabajos surjidos de su pluma. Por ello, quiso escoger alguno de sus números para presentarlos como suite de concierto. No obstante, esta tarea sólo sería llevada a cabo a su muerte por el pianista y director de orquesta Alexander Siloti, quien en 1899 dio a la imprenta una suite, catalogada como Op. 66a e integrada por cinco movimientos.




- Escena I -

Estamos en la sala principal del castillo celebrando el bautizo de la princesa Aurora. La hermosas hadas, entre ellas el hada Lila, madrina de la princesa, brindan sus regalos a al recién nacida; será la princesa más bella e inteligente de todos los reinos. El clima poético y mágico de toda la obra, con un ensoñador tema a cargo del corno inglés que trata al hada de las lilas, la buena hada que logrará impedir la muerte de Aurora.
En plena fiesta, se anuncia la llegada de la malvada hada Carabosse, a la que el Maestro de Ceremonias olvidó invitar. Carabosse, muy furiosa, ya no puede privar a la princesa de los regalos de las hadas buenas, y su maléfico "obsequio" será que cuando llegue a los 16 años se pinchará con una aguja y morirá. El hada Lila atenuando el maleficio lo contraresta concediendo su regalo, la princesa no morirá, se quedará dormida hasta que un príncipe la despierte con un beso.
 



- Escena II -

En la misma sala pero después de dieciséis años, el rey y la reina son muy felices, porque la predicción de Carabosse no se ha cumplido, la pequeña Aurora se ha convertido en una princesa muy bella, cuatro príncipes la admiran y Aurora se divierte bailando. De repente aparece una anciana que regala a la princesa un ramo de flores donde está escondida una aguja.
El pas d'action, también conocido como "Adagio de la rosa", contiene una de esas melodías características de Chaikovski, amplia y rebosante de pasión. En el ballet, este fragmento viene antes de que Carabosse ofrezca a Aurorra el fatal regalo, que la hará caer en un largo letargo, y especialmente interesante para ver la capacidad del compositor para traducir con sonidos situaciones puramente teatrales: un breve pasaje a base de notas repetidas y un solo cadencial del arpa dan pie al tema principal de este movimiento, una arrebatadora melodía de los violines, que va ganando poco a poco en intensidad en un crescendo de gran efecto.
Los reyes lloran desesperados por su hija. Afortunadamente, aparece el hada Lila para consolar a los padres y confirmar que su hija dormirá durante cien años y dormirán todos los moradores del reino junto a ella.


  
- Escena III -

Por el bosque pasea el príncipe, mientras admira la belleza de la naturaleza que le rodea, se encuentra con el hada Lila que le muestra la imagen de la princesa Aurora, el príncipe se enamora inmediatamente y suplica al hada que le facilite el camino al castillo.
 



- Escena IV -

El príncipe se encuentra con el hada Carabosse que trata de impedir que vea a Aurora pero se enfrenta con valor a este personaje malvado y la ahuyenta. El príncipe se acerca a la príncesa que duerme plácidamente y la despierta con un beso. Además despiertan también los reyes y todos los moradores del castillo. El embrujo ha desaparecido y el apuesto príncipe pide al rey la mano de Aurora. Y el rey se la concede agradecido.
 

Mark Olich




 - Escena V -
Las bodas

Durante los festejos de la boda los príncipes comparten su alegría y felicidad. En la fiesta danzan felices los protagonistas de algunos de los cuentos infantiles más populares, como: "El Gato y la Gata", "Caperucita Roja y el Lobo", "Cenicienta" y "El Pájaro Azul". 
El Pas de caractére supone un cambio de registro total; genialmente orquestado a partir de una asombrosa economía de medios (un breve motivo al unísono de oboe y fagot, a los que luego se unirá el corno inglés con una cansina melodía, todo sobre los acordes en sordina de las cuerdas divididas), es un delicioso retrato de dos gatos, el Gato con botas y la Gata blanca.
 


Mark Olich


viernes, 24 de noviembre de 2017

Cirque du Soleil. Totem






Cirque du Soleil
Todo comenzó en Baie-Saint-Paul, un pequeño pueblo cerca de Quebec (Canadá). Allí y a comienzos de la década de los ochenta, un grupo de personjes llenos de color deambulaban por las calles subidos en zancas, haciendo malabares, bailando, lanzando fuego por la boca y tocando música. Se trataba de Les Échassiers de Baie-Saint-Paul (los zancudos de Baie-Saint-Paul), un grupo de teatro callejero fundado por Gilles Ste-Croix.Los habitantes del pueblo quedaron impresionados por los jóvenes artistas y, entre ellos, se encontraba Guy Laliberté, que posteriormente fundaría y se convertiría en director general del Cirque du Soleil.

 "La gente puede creer que nos propusimos reinventar el circo y que luego simplemente lo hicimos. Pero las cosas no sucerieron de esa manera. Éramos un puñado de locos que querían hacer cosas, y poco a poco, logramos tener una visión de lo que podría ser un circo moderno". (René Dupéré compositor músical de 10 espectáculos del Cirque du Soleil)






 En 1984, Guy Laliberté vio la celebración del 450º aniversario del descubrimiento de Canadá por parte de Jacques Cartier que tuvo lugar en Quebec como una oportunidad para emprender una gira provincial oficial junto a la compañía. Laliberté apodó Cirque du Soleil porque, en sus propias palabras, "El sol simboliza la juventud, la enegía y la fuerza".

 Cirque du Soleil visitó EE.UU. por primera vez en 1987. We Reinvent the Circus (Nosotros reinventamos el circo) impresionó al público de Los Ángeles y a los medios por igual con su combinación exclusiva de diseño de escenarios, el escenario central y la participación del público (tanto fisicamente como imaginativamente), y marcó el refinamiento del proceso creativo, que sigue impulsando la creación de cada nuevo espectáculo de Cirque du Soleil
Cirque du Soleil dio espectáculos con localidades agotadas ante el público estupefacto de San Diego y Santa Mónica, y esto le sirvió como puntapié inicial para su primera incursión en Europa, en 1990, con actuaciones en Londres y París.
 






   
Cirque du Soleil en Madrid, el escenario Puerta del Ángel una extensa explanada de 20.000 metros cuadrados de superficie que está situada en el Recinto Ferial de la Casa de Campo. Estas instalaciones destacan por tener un fácil acceso, tanto en transporte público como en coche particular. Además, desde este espacio se puede disfrutar de unas maravillosas vistas de la capital.
 











Totem recorre el fascinante viaje de la especie humana, desde su original espacio anfibio hasta el deseo final de volar. Los personajes evolucionan en el escenario evocando una tortuga gigante, el símbolo del origen de muchas civilizaciones antiguas.
 Inspirado en muchos mitos fundacionales, Totem ilustra, a través de un lenguaje visual y acrobático el progreso evolutivo de las especies. Entre la ciencia y la leyenda, Totem explora los lazos que unen al ser humano con otras especies, sus sueños y su infinito potencial.
 






Cirque du Soleil utiliza tecnologías de proyección interactivas para mejorar y ofrecer variedad a los tipos de escenas creadas para Totem, incluyendo pantanos, noches estrelladas, lagos, volcanes y otros ambientes naturales. Las imágenes cinéticas son creadas con la ayuda de cámaras inflarrojas; el sistema de proyección puede crear dinámicamente proyecciones, haciendo parecer como si ellos estuvieran reaccionando a los movimientos de los artistas, tanto en tiempo real y en secuencias pregrabadas.









Uno de los principales elementos es el gran caparazón de la tortuga, que funciona tanto como una pieza decorativa como equipo acrobático. Cuando no está en uso, la cubierta está inclinada o levantada por completo a la parte superior de la carpa. Su peso es de 1.200 kilos tiene dos barras horizontales, y está cubierta en un acabado antideslizante.
 Otro componente importante del conjunto es el "puente del escorpión", que funciona como una entrada a veces. Está hecha de 4.500 kilos de acero y tiene motores hidráulicos que le permiten moverse en tres dimensiones, se extienden, retrae, enrolla, etc...El pantano de cañas en el fondo del escenario es en realidad inflable, lo que permite facilitar el transporte entre los lugares de desempeño.
 

 



Vestuario, como la historia de Totem es la evolución de la humanidad, fuente de inspiración para los 779 elementos de vestuario. La diseñadora del vestuario Kym Barrett se centró principalmente en la forma de tratar diversos tejidos en lugar de los propios materiales con el fin de replicar los elementos que se encuentran en la naturaleza. Tales tratamientos incluyen técnicas avanzadas de impresión, pigmentos fluorescentes y utilizando fragmentos de espejos y cristales de adorno.
  
  • El leotrado de terciopelo del Hombre de Cristal está incrustrado con cerca de 4.500 componentes reflectantes; 4001 son fracmentos de espejo. Este traje es el más pesado.
  • Los bodysuit de lycra del dúo de Antipodismo son adornados con 3.500 cristales, y cada casco tiene otros 1.000.
  • El traje del bailarín Indio-Americano no es inspirado por una sola tribu de nativos americanos, sino por varios. Por ejemplo se incluye cruz y tocado Hopi.
  • Cada una de lass monociclistas tiene una mirada muy distinta que sugiere el otoño y la abundancia de la cosecha. Cada traje está impreso con tonos tierra y luego embellecido con detalles cosidos a mano, incluyendo pernos, tornillos, vainas, plumas, flores e insectos. 







Dúo en trapecio fijo. Como dos tórtolos, dos jovenes bromean, juegan y se enfadan en un iocente juego de seducción; finalmente entrelazan sus cuerpos en un alegre baile vertical de movimientos y ascensos originales e inusuales.

 


Danza amerindia, al son del tambor un joven bailarín amerindio evoca los mitos y leyendas que simbolizan el círculo infinito de la vida.



El inicio de la vida, anfibios y peces jugetones cobran vida, brincan y dan vueltas, cruzándose de una barra paralela a la otra.