martes, 22 de marzo de 2016

Andrew y Jaime en el estudio




Andrew & Jaime Wyeth

Esta exposición está planteada como una conversación artística entre dos célebres pintores americanos que además son padre e hijo. ¿Cómo se acercaron y alejaron entre sí, a lo largo del tiempo, los estilos de Andrew y Jaime Wyeth? ¿Cómo compartieron la vida familiar, los espacios de trabajo, unos mismos lugares favoritos, una técnica extraordinaria y una incansable curiosidad y sin embargo crearon cada uno de ellos una obra tan distinta y personal?.
 

Andrew Wyeth (1917-2009). Hierba pisada, 1951

  
Andrew Newell Wyeth. Lejanía, 1952

Ambos se criaron en casas llenas de libros y de creatividad. El padre de Andrew, al que se conocía como N.C., se hizo famoso como ilustrador de aventuras como Robin Hood y La isla del tesoro. N.C., alimentó las inquietudes artísticas de Andrew y sus hermanos, y Andrew las trasmitió a su vez a su hijo Jaime, quien dijo en una ocasión: "en mi familia todos pintan, salvo quizás el perro".
 
James Browning Wyeth. Retrato de Andrew Wyeth, 1969


Jaime Wyeth. Retrato de Shorty, 1963

Andrew y Jaime no fueron a la escuela, sino que se educaron en casa, donde aprendieron las técnicas artísticas de personas de la familia. Por todas partes había pinceles, lápices y otros instrumentos de dibujo y pintura. Los dibujos de Andrew andaban repartidos por toda la casa, y lo mismo las notas y garabatos de Jaime.

Tanto para el padre como para el hijo, todo empezaba con una emoción profunda: pinta lo que te inspire en cada momento, pinta lo que conoces y amas. Timothy J. Standring


Jaime Wyeth. La muerte de Nureyev, 2001

 

Se presentan más de 65 obras realizadas con diversas técnicas: el dibujo a pluma, lápiz o carboncillo, la acuarela, el pincel seco, el temple, el óleo y la técnica mixta. Nunca antes se había expuesto su obra a esta escala y en el contexto común de sus autobiografías, sus formas de trabajar en el estudio y sus ensoñaciones. Organizada en colaboración con el Denver Art Museum.


Serie los siete pecados capitales


Jaime Wyeth


Jaime Wyeth


Andrew Wyeth. Siri


Andrew Wyeth









The Secret Sits. Joséphine Douet



Joséphine Douet

The Secret Sits
(Wyeth Wonderland)
  



Para un artista , explorar la intimidad significa adentrarse en un misterio. Andrew Wyeth (1917-2009), a través de su pintura, se ha confirmado como uno de los pocos maestros capaces de introducirse en este enigma y revelarlo.

Su obra, personal y singular, es una peculiar visión de la  América moderna. Su ciudad natal, Chadds Ford, le ha servido de inspiración para el "realismo abstracto" en el que se inscribe su producción a través de la exploración de su naturaleza, sus edificios y sus vecinos.




Mi decisión de volver sobre las huellas del pintor, de acercarme a ese mundo interior para fotografiarlo y compartirlo, ha nacido de una mezcla entre el respeto y el desafío artístico. Mi objetivo ha sido atrapar algo del misterio y de la esencia de Wyeth, caminando por las colinas de Chadds Ford y tratando a sus habitantes.
Un mes de convivencia con las personas y los lugares para alcanzar una nueva perspectiva, crear mi propia intimidad y fotografiarla. Un encontrarme "fuera de lugar", una desubicación forzosa para que las relaciones con el entorno y su gente se construyeran desde cero, hasta llegar a vencer las distancias y conquistar un poco de esa misma intimidad, volver a penetrar en el enigma.


  

El resultado ha superado sus espectativas. No solo he establecido relaciones cercanas y profundas con los habitantes de de Chadds Ford, sino también con antiguos modelos de Andrew Wyeth, llegando a compartir momentos extraordinarios con Helga, su musa secreta durante quince años.




Mi obra se construye así en armonía con la sensibilidad del pintor, como continuación y a la vez variación, porque su intimidad es otra intimidad, y los secretos que revela también son otros. Joséphine Douet









El Arte en el Cómic



El Arte en el cómic, una exposición en la que algunos de los mejores historietistas e ilustradores contemporáneos muestran su pasión por la historia de la pintura rinden en sus obras homenajes más o menos velados a sus cuadros y artistas favoritos.




Pintura y cómic son dos disciplinas artisticas íntimamente ligadas. El llamado noveno arte se inspira habitualmente en las obras maestras de la pintura, homenajeándolas en multitud de viñetas e ilustraciones. Estas alusiones al mundo del arte se realizan de forma muy variada. En ocasiones el dibujante reproduce la obra pictórica de la manera más fidedigna posible.
 





Así, esta exposición cuenta con piezas como La voz del pueblo (2011), de Gustavo Rico y Jorge García que recrea fielmente La carga de los mamelucos (1814), de Francisco de Goya; o Espejo del alma (2008), de Teresa Valero y Juan Díaz Canales que incluye versiones literales de algunos de los principales lienzos del movimiento impresionista.


Tito Alba. Sin título (2015)




Juan Díaz Canales  (2005). Les patriciens

En otras, la cita se realiza mediante la evocación de la escena representada en la pintura. Se imita la acción y la composición de un determinado cuadro, pero se sustituyen las figuras del lienzo por los personajes protagonistas de un cómic.


 








lunes, 21 de marzo de 2016

La Colección telefónica como nunca la ha visto



Sin Título. La colección Telefónica como nunca se ha visto, es una propuesta expositiva innovadora en la que se ha querido dar un paso más a la hora de mostrar la Colección artística de telefónica. En este proyecto no han primado los tradicionales criterios estilísticos o de técnica que hasta la fecha han modelado las exposiciones anteriores.



Con esta idea en mente , en lugar de invitar a un experto para realizar el comisariado entorno a la Colección, han abordado el proyecto de un modo innovador y arriesgado. Un grupo de niños, de entre 10 y 12 años, han hecho de comisarios de arte, se han implicado en el proceso de selección de las obras a exponer, a interpretar y a experimentar con el objetivo, no sólo de fomentar su interés por el arte, sino de favorecer ciertas capacidades propias de la pedagogía STEAM,  en donde el arte se muestra como una pieza clave para fomentar el pensamiento creativo del individuo.



Se exploraron experiencias y modelos internacionales que pudieran guardar paralelismos a través de profeisonales, de ámbito nacional e internacional, de museos o instituciones culturales con experiencia probada en procesos de creación colectiva y de coparticipación.





De un listado previo de cerca de cien piezas de la Colección, los niños trabajaron en la selección de las obras de arte que más  les atraían, investigaron sobre los autores y las obras elegidas, cómo exponerlas, el diseño y título de las cartelas, y realizaron con grupos un mural expositivo con varias obras que tenían algun punto en común.






René Magrite


Kinematope. Pablo Valbuena




Pablo Valbuena es un artista visual cuyo trabajo aborda principalmente el estudio del espacio y la manera que tenemos de percibirlo. Formado como arquitecto, sus inicios como diseñador de escenarios para videojuegos y cine le llevaron a investigar la aplicación de conceptos espaciales en contextos virtuales.
Su trayectoria artística, que arranca con fuerza a partir de 2007, invierte precisamente estos factores centrándose especialmente en el desarrollo de proyectos que superponen proyecciones digitales a espacios reales. Transformando elementos arquitectónicos ya existentes con el uso de la luz en movimiento, Valbuena logra alterar nuestra percepción.
A las estructuras físicas existentes y reales, superpone un plano de información que las convierte en formas dinámicas. En definitiva, en un mismo tiempo y espacio hace convivir e interrelaciona el mundo real con el digital.
 







En 2007, su trabajo Esculturas Aumentadas utiliza ya la videoproyección sobre un objeto tridimensional para sugerir alteraciones en su volumetría gracias a un sofisticado mecanismo de trampantojo visual.
Solo un año más tarde, en 2008, renuncia al soporte escultórico para empezar a intervenir sobre arquitectura y espacios ya existentes. Kinematope [paisaje técnico] es la instalación que Pablo Valbuena ha desarrollado especialmente para una de las salas de exposiciones del Espacio Fundación Telefónica. Un circuito de luz y sonido recorre el falso techo de la galería delineando los trescientos metros de cableado que distribuyen la electricidad de la sala y resultan vitales para su uso y funcionamiento.


 





"Los sistemas que definen las condiciones de la sala (iluminación, conectividad, temperatura), ocultos en el techo, se hacen presentes en las sombras proyectadas por la estructura de LEDs y altavoces que dan forma a la obra. Sombras y luces dibujan espacios y volúmenes efímeros en las paredes y columnas  a medida que la luz y sonido se desplazan por la sala, siguiendo patrones de movimiento y ritmos cambiantes." Pau Waelder.
 







domingo, 20 de marzo de 2016

La Virgen de la granada. Fra Angelico


Fra Angelico. La virgen de la granada, h. 1426

La Virgen de la granada es una obra extraordinaria, pintada en uno de los momentos decisivos de la historia del arte, la Florencia del primer cuarto del siglo XV, cuna del Renacimiento, por uno de sus actores principales, Guido di Pietro, llamado Fra Angelico, debió formarse con Lorenzo Monaco y figura ya como maestro independiente en 1418.






Entre esta fecha y 1422 ingresó en el convento dominico de San Domenico en Fiesole, para el que, entre otras obras, pintó la Anunciación del Museo del Prado (1425-26). La Virgen de la granada, inmediatamente posterior a la Anunciación, delata el conocimiento del altar de Sant'Anna Metterza de Masaccio, realizado para la iglesia florentina de Sant'Ambrogio (1423-24) y hoy en los Uffizi.
Su nombre deriva del fruto que sostiene la Virgen, prefiguración del sacrificio y la resurrección de Cristo. Fue adquirida en Florencia en 1817 por Carlos Miguel Fitz-James Stuart y Silva, XIV duque de Alba de Tormes, y figuró desde entonces en posesión de dicha familia. Adquirida en 2016 por el Museo del Prado.