martes, 15 de julio de 2014

Mitos del Pop.




Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado,8. Madrid


 
Andy Warhol
Detalles de pinturas renacentistas,1984
(Sandro Boticelli, Nacimiento de Venus, 1482)
 


Mitos del Pop

La aparición del Pop a finales de los cincuenta y comienzos de los sesenta fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte. Su adscripción dedicada a la nueva cultura y de la tecnología y el consumo echaba por tierra los anhelos heroicos y subjetivos de las vanguardias anteriores y reintegraba el arte al mundo real. Con el incesante intercambio entre el arte y todo tipo de objetos de la cultura visual y de la cultura popular, el pop acabó con la separación entre la alta y la baja cultura y abrió un nuevo debate sobre las relaciones entre lo estético y lo antiestético. Para el pop toda imagen era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito era ofrecer una nueva interpretación de la imagen en la cultura contemporánea.

Ahora bien, el pop esconde una paradoja apasionante: por un lado fue un movimiento innovador que abrió el camino a la posmodernidad, pero a la vez manifestó una clara orientación hacia el pasado.La ambición del pop de conectar con la tradición utilizando nuevos medios artísticos derivados de la televisión, la publicidad o el cómic se concentró sobre todo en la nueva valoración de los estilos y los géneros artísticos y en la reinterpretación de las obras de los maestros antiguos de las que haría homenajes o parodias irreverentes.

Mitos del Pop elimina las etiquetas nacionales y presenta el pop art en su conjunto para rastrear las fuentes comunes del pop internacional, con ese espíritu globalizador que tienen la colección expuesta y la del propio museo. Desde las obras pioneras de británicos y americanos hasta las derivaciones del pop en Francia, Alemania, Italia y España, que en buena medida, todos ellos compartieron las mismas ambiciones de ruptura con una reflexión sobre el arte y la realidad, el arte y la tradición, o sobre el arte y los museos.



Mimo Rotella. Cleopatra, 1963
Décollage sobre lienzo. 134 X 137,6cm. Colección privada.



Collage. Publicidad. Cómic.
La exposición se abre con varios collages de los precursores del pop art Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, miembros destacados del Independent Group londinense, asi como del americano Ray Johnson. El pophereda el collage del cubismo y del dadaísmo pero le añade un componenete alegórico y subversivo. Just what is it that made yesterday's homes so different, so appealing? de Richard Hamilton, un grabado de 1992 de su famoso collage de 1956, es quizá la primera imagen verdaderamente pop. Por otro lado, A la Recherche du Shoe Perdu, una carpeta de diseños de zapatos de diversas épocas de Andy Waarhol, nos indica que sus trabajos como publicista y diseñador al comienzo de su carrera también fueron esenciales para el nacimiento de esta nueva tendencia.
Si bien fueron los británicos Hamilton  y Peter Blake los pioneros en la introducción del cómic en el arte, serian los americanos Lichtenetein y Warhol los primeros en convertir las tiras de cómic en pinturas de gran formato. Look Mickey, el primer cuadro pop de Lichtenstein, parece una viñeta ampliada, pero es además una visión pop del mito de Narciso. En las obras de Warhol Mickey también forma parte del Olimpo de los mitos, pero para Equipo Crónica es sin embargo una imagen propagandística.



 Roy Lichtenstein


 
Andy Warhol
The Some Like it Hot Shoe. (Dedicado al actor Tony Curtis)


Emblemas
Desde mediados del siglo XX, el vertiginoso desarrollo de los medios de comunicación de masas hizo que la sociedad se viera inundada de eslóganes y de marcas de productos de consumo que publicitaban de manera incesante los anuncios luminosos, la prensa o la televisión, y que, como era de esperar, se convertirían en un torrente de ideas visuales para los artistas pop. 
Jasper Johns, a finales de los cincuenta, se apropió de diversos objetos reconocibles para todo el mundo, como la diana de tiro, y un tiempo después también lo haría el británico Peter Blake. Warhol comenzaría a representar repetidamente determinados objetos cotidianos, logos y marcas, como los green stamps, las latas Campbell's las cajas de Brillo Soap Pads y de ketchup Heinz, o Coca-Cola. Por su parte, Robert Indiana convertiría en emblemas diversas palabras, como "Eat", "Hug", "Err", estarcidas sobre diferentes soportes, mientras que Hamilton ampliaría una pequeña chapa encontrada en una tienda de California con el mensaje "Slip it to me".



Tom Wesselmann
Naturaleza muerta n.34, 1963
Acrílico y collage sobre tabla.


 

  Andy Warhol






Andy Warhol
Mao, 1972


Retratos
Con la irrupción del pop asistimos a una nueva reinterpretación del género del retrato. Al basarse en imágenes preexistentes, los artistas pop rebasaron los límites de la obra original y abrieron la puerta a la posmodernidad, en la que la representación ya no sigue a la realidad, sino que la precede. A partir de entonces, no existe un sujeto detrás de las imágenes y el retrato se convierte en simulacro.
 
Warhol marca el punto de inflexión a partir del cual el modelo del retrato se desvanece y se transforma en imagen virtual. En el conjunto de autorretratos de 1978, posteriores al intento fallido de asesinato, el artista hace además una reflexión sobre la muerte. Allen Jones, por su parte, explora la indefinición de la representación del retrato a través de un reflejo, mientras que David Hockney hace uso de la inmediatez de las fotos polaroid como base para sus retratos, lo que condiciona el formato de los cuadros.
 


Richard  Hamilton
Interior II, 1964

Paisajes interiores
Naturalezas muertas
En la nueva cultura de consumo los objetos aparecen por todas partes  y se vuelven códigos de comunicación con un significado arbitrario. La principal consecuencia del retorno al mundo real por parte del pop unido a su orientación hacia el arte del pasado fue la recuperación y reinterpretación de los géneros tradicionales de la pintura: el paisaje, la pintura de interiores o la naturaleza muerta.
En los paisajes basados en el postimpresionismo y el expresionismo de Lichtenstein, en los paisajes urbanos de Ed Ruscha, en los interiores de Patrick Caulfield y Valerio Adami, o en las naturalezas pop de Tom Wesselmann, Sigmar Polke, Wayne Thiebaud, Allen Jones, Vija Celmins y Claes Oldenburg, los géneros se adaptan al paisaje urbano contemporáneo. 
Ahora bien, lo que en el bodegón tradicional era un espacio doméstico privado y en el de las vanguardias una composición artificial, compuesta por el artista en su estudio, en el pop se convierte en un espacio público y comercial.


  
Jasper Johns (American, born 1930)
The Seasons (Summer),1987



Jasper Johns
"Study for Regrets" (2012) 


Este verano coinciden en Madrid dos grandes exposiciones dedicadas al Pop Art una en el Museo Thyssen-Bornemisza y otra en el Centro de Arte Reina Sofía.



Subimos a la terraza a tomar algo fresco


Disponemos de media hora antes de poder visitar la exposición de Alma Tadema

















Mi café

 
Para mi hija té


Tenemos compañía




 

Titulo: Mitos del Pop

Autor: Miguel Ángel Martín

Edita: Museo Thyssen-Bornemisza

 

 

 

 

No hay comentarios:

Publicar un comentario