lunes, 10 de septiembre de 2012

De Caspar David Friedrich a Picasso.


Fundación Juan March, sede de Madrid


Creada en 1955 por  el financiero español Juan March Ordinas, la Fundación Juan March desarrolla sus actividades filantrópicas en el campo de la cultura humanística y científica. Responde al modelo de institución privada, familiar y patrimonial, caracterizado por su autonomía económica, independencia política, capacidad innovadora y carácter profesional.
 

Órgano Eugenio Sempere
 

El edificio sede en Madrid esta situado en el distrito de Salamanca, fué inaugurado en 1975. El proyecto y la decoración del mismo, cuya superficie total edificada es de 18000 metros cuadrados, y 1700 de jardín, se deben al arquitecto español José Luís Picardo.

 Concebido como un moderno centro cultural, posee dos salones de actos, circuito cerrado de televisión, sala de exposiciones, bibliotecas y salón para coloquios científicos. En la planta baja esta la sala de exposiciones. Las bibliotecas se sitúan en la planta segunda y la planta tercera alberga las dependencias del Centro de Estudios Avanzados en Ciencias Sociales.


El arte
  
La Fundación Juan March ha organizado mas de 560 exposiciones, un centenar de ellas en su sede de Madrid, acompañadas, en muchos casos, de ciclos de conferencias y conciertos. Esta institución fue pionera en España en la organización de exposiciones de arte moderno contemporáneo internacional. Posee una colección de arte español contemporáneo, parte de la cual se exhibe en el Museo de Arte Abstracto (Cuenca) y en el Museu Fundación Juan March (Palma) así mismo edita catálogos y una bibliografía complementaria de las exposiciones que organiza.


Caspar David Friedrich
Una mujer en la ventana, 1822
(La modelo es su mujer Caroline Bommer) 



Caspar David Friedrich
Caminante ante un mar de niebla, 1818
Hamburgo, Kunsthalle.
Los bancos de niebla, que envuelven el paisaje rocoso, aumentan el carácter misterioso e inquietante de la pintura.



Obras maestras sobre papel del Museo Von der Heydt der Wuppertal
        
Los avances científicos y técnicos estimularon al arte a buscar nuevos caminos de expresión y originalidad. Los artistas se proponen renovar el lenguaje pictórico alejándolo de los formalismos y la rigidez impuesta por las academia.

 Surgen así, a finales del siglo XIX, unas manifestaciones estéticas, de origen diverso y espíritu en ocasiones contradictorio, que quieren comunicar e introducir en el panorama artístico notas de modernidad. Todo ello propiciará el nacimiento de las primeras vanguardias artísticas a principios del siglo XX.
 
 Estas se identifican por ser un conjunto de movimientos estéticos, con rasgos comunes y cronología precisa, que surgen en Europa durante la primera década del siglo XX y que se sucederán a un ritmo vertiginoso hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial.

 Aparte existen otros artistas, no integrados en estos movimientos, que enriquecieron con su estética la pintura de esta época.


Caspar David Friedrich (1774 - 1840)

 Temas

 La Naturaleza

La relación del artista con el entorno que le rodea y a manera de representarlo, es tema común de muchos de estos artistas. Para los pintores románticos, que intentan alejarse del frío y ordenado clasicismo, sus paisajes son el resultado de la observación directa, de la percepción real, pero partiendo de la razón, las sensaciones y los sentimientos. Pintar lo que veo y como lo veo (C.D. Friedrich y Constable).

  Los impresionistas, más adelante, incorporan a sus pinturas el resultado de los estudios científicos empleados para captar la luz, la atmósfera, las nubes y los reflejos del agua. La paleta clara y fracmentada empleada por Monet y Degas pronto se sustituirá por otra mas enérgica y vibrante donde se hace presente la carga simbólica del paisaje (Van Gogh).
 
Los paisajes de Cézanne carece de perspectiva aérea. Se componen de manchas planas de color superpuesto ordenadas de manera equilibrada. Nolde expresa sus impresiones de la naturaleza mediante el color aplicado en grandes manchas de tonalidad pura.

 Las flores que poblaban estos paisajes generan una serie de cuadros que presentan su visión mas pura y rica de la naturaleza. Otto Dix rompe con la tradición presentándonos el ambiente urbano que ahoga esta naturaleza.



Paul Cézanne
El castillo de Medan, 1880



La Mujer. Si Redon y Burne-Jones encarnan la visión simbolista, poética y sublime de la mujer, Klimt la convierte en un ser angelical y demoniaco al mismo tiempo. Degas nos introduce en el mundo de la mujer burguesa y trabajadora, representada en su intimidad, cuidando de su higiene y absorta a veces del mundo que la contempla.
 
 Sus bailarinas, tema con el que alcanzó gran éxito, le permitió descomponer el movimiento y captar gestos y ademanes, favorecido por las largas horas de observación durante los ensayos y actuaciones de las jóvenes.
 
El desnudo femenino alcanzó un gran protagonismo en obras de artistas integrantes del grupo expresionista alemán. El Puente como Heckel, Mueller y Kirchner. Los dos primeros elaboran obras de sensual colorido en las que la mujer se integra en la naturaleza pura y salvaje. Kirchner nos presenta el erotismo de un cuerpo visto de frente, posando en un estudio, expuesto a la visión del espectador.
 
La mujer urbana tiene también aquí una doble representación.La burguesa que frecuentaba los salones de moda y los ambientes nocturnos (Tolouse-Lautrec) y paseaba por la ciudad (Kirchner) y la joven trabajadora (Dix) representante de la total modernidad.


Paul Cézanne
El puente de Maincy, 1879/80. 


Técnicas

El color.Los pintores impresionistas consideraban que la gama cromática empleada en sus obras debía reflejar exactamente la percepción visual de la naturaleza. Para ello mezclaban y superponían capas de pintura imitando la realidad.Cézanne fue el primer artista que descompuso las imágenes de sus cuadros en planos de color uniformes que en muchos casos no coincidían con los contornos marcados por el dibujo.
 
 Los artistas neoimpresionistas (Seurat) comenzaron a utilizar los colores puros e independientes encerrados en contornos nítidos. La pintura fauvista empleo manchas planas de colores planos, adentrándonos así en el mundo de los sentimientos y la expresión. Los pintores expresionistas , retomando estos principios, utilizan el color como medio para transmitir sus sentimientos.
 
 El pintor quiere dominar el espacio plano del cuadro. Para ello aplana los volúmenes contrastandomanchas de color que obligan al espectador a jugar con su retina (Kandinsky). A diferencia de ellos, los pintores abstractos  (Klee) acentúan la superficie plana del papel y son los planos cromáticos los que producen las sensaciones espaciales.


Paul Cézanne "Vista de Auvres", 1873


El Dibujo. Elemento fundamental de muchas de las obras, colabora en la elaboración del lenguaje moderno. Seurat prescinde por completo de la línea en sus dibujos y emplea puntos aplicados con lápiz Conté contra el blanco del papel perfilando el contorno de las figuras. Heckel y Kirchner emplean unos trazos angulosos y fragmentos de gran energía que se enriquecen con el color.

 Picasso utiliza formas geométricas entrecruzadas para descomponer sus figuras y reduce la paleta de color en beneficio del dibujo. Es cubismo.




Las obras que integran esta exposición son de pequeño formato, realizadas muchas de ellas sobre papel y cartón, a manera de apuntes y estudios, ejecutados con técnicas acordes con la diversidad de estilos que se sucedieron durante estos años. 

Todas ellas demuestran un anhelo de experimentación de los artistas con la intención de encontrar nuevas y ricas maneras de expresar sus sentimientos y emociones a través de la pintura.


Pablo Ruiz Picasso
 Mujer frente al espejo, 1932
Museo de Arte Moderno Nueva York
 


David Caspar Friedric
 

La abadía en el robledal, esta pequeña tela pintada entre 1809 y 1810, se conserva en Berlín (Schlob Charlottenburg). Fue expuesta en 1810 con ocasión de la muestra organizada por la Academia de bellas Artes de Berlín. La ruina gótica le fue sugerida a Friedrich por las ruinas de Eldena, en las cercanías de Greifswald. Podría simbolizar el sentimiento religioso de una época ya pasada. Parece evocar una profunda nostalgia de la muerte y llega casi a convertirse en un momento mori, en una meditación sobre la caducidad de la vida.



Rosa Paul Cézanne
Fotografía Giuseppe Mazza




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